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Violin - Israelí Shaham al Festival Casals

2012-01-24T13:07:00.000-08:00

El Festival Casals, dirigido por el chileno Maximiano Valdés, se llevará a cabo del 25 de febrero al 17 de marzo próximos en Puerto Rico, con la participación de reconocidos músicos como el virtuoso de la viola de gamba y director español Jordi Savall y el violinista israelí Gil Shaham.
Valdés dijo hoy en conferencia de prensa que el propósito del espectáculo este año es presentar "obras musicales que simbolizan la armonía y la paz, que han estado relacionadas con Puerto Rico y con la historia de este festival".
Es por eso que el primer día del festival, Valdés y la Orquesta Sinfónica de Puerto Rico, incluirán en su repertorio el tema "Himno a las Naciones Unidas", escrito por Casals hace 40 años y que se estrenó en la sede de dicho organismo en Nueva York en 1971.
En la inauguración, que se llevará a cabo en el Centro de Bellas Artes Luis A. Ferré de San Juan, también se estrenará la canción "Amor América", del maestro Jack Delano, y que interpretará la soprano puertorriqueña Rosa Betancourt.
Valdés sostuvo que uno de los criterios más importantes que Casals tomó en cuenta a la hora de realizar el festival, fue que los puertorriqueños tuvieran la oportunidad de escuchar a los mejores
músicos del mundo y disfrutar de su calidad artística.
Abundó que Casals organizó el espectáculo para dar a conocer obras creadas por compositores puertorriqueños, como la que presentará este año Carlos Carrillo en el concierto de clausura junto a la Orquesta Sinfónica de Puerto Rico, que será dirigida por Hans Graf, y tendrá como invitado al pianista Denis Kozhukhin.
Valdés aseguró que para la edición de este año, tuvieron que limitar el presupuesto a unos 600.000 dólares, pero que aún así, están "satisfechos" con la cantidad de artistas invitados que se presentarán en el festival.
El segundo día del festival, actuará el Cuarteto Figueroa, formado por el trío de cuerdas Guillermo Figueroa (violín y viola), Narciso Figueroa (violín) y Rafael Figueroa (violonchelo), e Ivonne Figueroa (piano).
El baile, mientras tanto, se destacará el próximo 2 de marzo, con la participación del grupo Malandain Ballet Biarritz, dirigido por el coreógrafo francés Thierry Malandain.
Al día siguiente, la Orquesta Sinfónica de Puerto Rico actuará en uno de los tres programas que tiene en el festival, en esta ocasión dirigida por el palestino Yoav Talmi, quien estará acompañado por la mezzosoprano húngara Ildiko Komlosi y el tenor Donald Litaker.
El español Jordi Savall, por su parte, se presentará el 4 de marzo en la Sala Sinfónica Pablo Casals, junto a su grupo Hesperion XXI y al conjunto mexicano Tembembe Ensamble con "Folias antiguas y criollas: Las rutas del nuevo mundo" que fusiona el barroco mexicano y la música tradicional latinoamericana.
El festival continuará el 8 de marzo, con la participación del Pacifica Quartet, integrado por los violinistas Simin Ganatra y Sibbi Bernhardsson, la viola Masumi Per Rostad y el violonchelista Brandon Vamos.
La Orquesta Sinfónica de Puerto Rico regresará a presentarse el 10 de marzo, dirigida nuevamente por Valdés y teniendo de músico invitado al violinista Gil Shaham.
Además de la Sala Sinfónica Pablo Casals y del Centro de Bellas Artes, el Teatro de la Universidad de Puerto Rico también albergará el Festival el 11 de marzo con la participación del organista estadounidense Gregory D'Agostino
De igual forma, el 14 de marzo en la Sala Sinfónica Pablo Casals, se presentará el Trío Kandinsky, y al día siguiente, estará el violonchelista Arto Noras y el pianista Robert McDonald.
El festival culminará con el concierto por parte de la Orquesta Sinfónica de Puerto Rico junto a Graf y Kozhukhin.

El Stradivarius fue igualado en una prueba de sonido

2012-01-24T05:24:00.000-08:00

¿Qué le brinda su extraordinario sonido a un violín creado por Stradivari o por Guarneri del Gesù? Varios investigadores han examinado los conservadores de la madera, el barniz e incluso los efectos de la Pequeña Edad del Hielo sobre la densidad de la madera, en busca de cualquier cosa que pudiera explicar las propiedades casi mágicas de los instrumentos.

Claudia Fritz, experta en acústica de violines en la Universidad de París, ha llegado a una explicación diferente del secreto.

Pese a una creencia generalizada en la superioridad de los antiguos violines y los millones de dólares que hoy cuesta comprar un Stradivarius, los violines fabricados por los grandes maestros de hecho no suenan mejor que los instrumentos modernos de alta calidad, de acuerdo con una comparación a ojos vendados que Fritz y sus colegas han realizado del sonido.

"No creo que haya algún secreto, salvo en la mente de la gente", dijo.

Se han realizado pruebas en las que un público intenta, generalmente con poco éxito, adivinar si un violinista ubicado detrás de una cortina toca un instrumento nuevo o uno fabricado por los grandes maestros.

Sin embargo, Fritz dijo que, hasta donde ella sabía, nadie había realizado un estudio bien controlado donde se le hiciera la misma pregunta a los verdaderos expertos: los violinistas.

En conjunto con el fabricante de violines Joseph Curtin y otros, Fritz reunió a varios violinistas que asistían a una competencia internacional en Indianápolis e hizo que compararan tres violines modernos de alta calidad con un Guarneri y dos Stradivari.

Los violinistas tuvieron que usar goggles para que no pudieran identificar los instrumentos.

Pese a una creencia común entre los violinistas de que los violines Stradivari o Guarneri son tonalmente superiores, los participantes en la prueba de Fritz no pudieron distinguir dichos instrumentos de los violines modernos. Sólo ocho de los 21 participantes en el estudio eligieron un violín clásico como el que les gustaría llevarse a casa. En la comparación entre antiguos y nuevos, un Stradivarius quedó en último lugar y un violín nuevo fue el preferido.

"Estos resultados plantean un desafío impactante a la creencia común", reportaron Fritz y sus colegas en línea el 2 de enero, en The Proceedings of the National Academy of Sciences.

¿Acaso significa esto que no hay ningún secreto perdido de los fabricantes de violines de Cremona, Italia? "Nos resulta imposible saberlo", dijo el luthier Sam Zygmuntowicz.

Cada instrumento es especial, pero es difícil saber qué tienen de diferentes como clase.

El violinista Earl Carlyss, quien ha sido miembro del Cuarteto de Cuerdas Juilliard durante mucho tiempo, dijo: "los instrumentos modernos son muy fáciles de tocar y suenan bien al oído, pero lo que hacía grandiosos a los instrumentos antiguos era su potencia en una sala de conciertos".

Carlyss enfatizó la relación muy personal que tienen los violinistas con sus instrumentos algo que podría ser difícil de emular bajo las condiciones de la prueba.

Una opinión similar fue expresada por Mark Ptashne, biólogo y violinista que toca el violín Plowden de Guarneri del Gesù (los violines antiguos italianos poseen nombres individuales) y también ha sido propietario de un Stradivarius.

"Incluso los músicos experimentados que no han vivido con un gran violín no se dan cuenta de lo que escuchan o hacen cuando tocan por primera vez un gran instrumento", indicó. "En segundo lugar, los Stradivarius y Guarnerius varían tremendamente en características y calidad de sonido, así que en todo caso es difícil generalizar a partir de unos cuantos ejemplos".

Las enfermedades profesionales y el violín - La tendinitis, inflamación, dolor de articulaciones - Parte 2

2012-01-22T07:28:00.000-08:00

En primer ingrediente básico para una recuperación perfecta de una tendinitis es, sin duda el resto. Será esencial (en proporción al nivel alcanzado tendinitis) un período adecuado de descanso, lo que daría tiempo para el cuerpo ya puede comenzar su propio proceso de curación y no deben ser bloqueadas con los vendajes apretados conjunta de los malos, como el " la inmovilidad y la falta de ejercicio alarga tendón de hospitalización. Sin embargo, hay muchos remedios (farmacológicos o no) para acelerar el proceso de curación, y algunos consisten en la asistencia hospitalaria que Ionioforesi, ultrasonido y en «la contratación de específicos esteroides (pero todas las reacciones normales a los medicamentos anti-inflamatorios). La ayuda discreta puede hacer cremas y preparaciones como el "Voltaren". fundamentales es sin duda tomar el «Complementos para estimular la reparación espontánea de los tendones y cartillagini como la" toma pastillas "tiburón Cartillagine" y otros suplementos como "Polase (magnesio y potasio) y vitaminas diversas. Otros remedios naturales son: masajes, envolturas 's baños de barro, azufre y aceite de árnica. En cualquier caso, para impedir el regreso de tocar el violín tendinitis es importante para entender y eliminar los parámetros correctos y sustituirlos por la más correcta y natural de nuestra anatomía. No es infrecuente que la tendinitis que afectan a la 'antebrazo o la muñeca se origina en la finca del violín, ya que la contractura (sostenido e inconsciente) de los músculos del cuello pueden ser las repercusiones sobre la cascada en los brazos, antebrazos y muñecas, la creación de una cadena de tensión descargas sólo superficialmente su efecto sobre tendón inflamado en cuyo caso lo primero que "abrir" el cuello y luego dejar que los tendones curar; Otro factor que puede contribuir a este bloque en el cuello es la "humedad. Un remedio fundamental en este caso (y útil para todos los casos) es la práctica de la disciplina china conocida como "Tai Chi Quan", la base de Kung Fu es una disciplina de la postura y el organismo de control que nos permite cancelar la tensión muscular causado por una mala postura, en concreto hay algunos ejercicios para el cuello es llamar los "círculos" con el propio cuello. La práctica diaria de estos ejercicios antiguos, combinados con una búsqueda consciente diaria de la postura corporal correcta, y se puede curar de forma permanente resolver muchos (si no todas) las formas de tendinitis, realinear el 'hueso y equilibrio de los músculos del cuerpo. Sin embargo, hay varios ejercicios de calentamiento y estiramiento de los tendones. ¿Qué va a ayudar a mantener los tendones y calentados antes de tocar el violín, y evitar el movimiento excesivo, lo que provoca el empeoramiento del dolor. Hay varios hospitales en Italia y en Europa se especializó en el tratamiento de las enfermedades de los músicos profesionales. Uno se encuentra en Florencia, pero hay varios en Francia, y Alemania.

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Las enfermedades profesionales y el violín - La tendinitis, inflamación, dolor de articulaciones - Parte 2

2012-01-22T07:22:00.000-08:00

En primer ingrediente esencial para una recuperación perfecta de una tendinitis es, sin duda el resto. Será esencial (en proporción al nivel alcanzado tendinitis) un período adecuado de descanso, lo que daría tiempo para el cuerpo ya puede comenzar su propio proceso de curación y no deben ser bloqueadas con los vendajes apretados conjunta de los malos, como el " la inmovilidad y la falta de ejercicio alarga tendón de hospitalización. Sera Esencial (nivel alcanzado en proporción a la tendinitis) un período adecuado de Descanso, Lo Que daria TIEMPO PARA EL Cuerpo ya PUEDE Comenzar el Propio Proceso de Curacion Deben servicios y no de Los vendajes apretados Con bloqueadas conjunto de Los Malos, Como El "la inmovilidad y la Falta de Ejercicio de Hospitalización tendón Alarga. Sin embargo, hay muchos remedios (farmacológicos o no) para acelerar el proceso de curación, y algunos consisten en la asistencia hospitalaria que Ionioforesi, ultrasonido y en «la contratación de inflamatorios específicos (pero que todos tienen parte normal medicamentos anti-inflamatorios). embargo de pecado, remedios muchos heno (farmacológicos o no) Acelera párr El Proceso de Curacion, ALGUNOS y Que consistencia en la Asistencia Hospitalaria Ionioforesi, y Ultrasonido en "el Específicos de esteroides Contratación (las TODAS pera Reacciones Normales de Los anti-inflamatorios Medicamentos). ayuda discreta puede hacer cremas y preparaciones como el "Voltaren". fundamentales es sin duda tomar el «Complementos para estimular la reparación espontánea de los tendones y cartillagini como el" tomar pastillas "tiburón Cartillagine "y otros suplementos como el" Polase (magnesio y potasio) y vitaminas diversas. PUEDE HACER Ayuda al discretos preparaciones y cremas Como El "Voltaren. pár fundamentales pecado es Duda Tomar el 'Complementos estimular la reparacion y espontánea de Los Tendones Como las pastillas cartillagini Toma "" Cartillagine Tiburón "y Otros Suplementos Como" Polase (potasio y magnesio) Vitaminas y diverso. Otros remedios naturales son: masajes, envolturas 's baños de barro, azufre y aceite de árnica. Remedios Naturales Otros hijo: Masajes, baños Envolturas 's de barro, y Aceite de Azufre Arnica. En cualquier caso, para impedir el regreso de tocar el violín tendinitis es importante para entender y eliminar los parámetros correctos y sustituirlos por la más correcta y natural de nuestra anatomía. En cualquier caso, , obstaculizan pár El Regreso de Tocar El violín es la tendinitis está fuera entendre párrafo importante de Los Parámetros correctos y sustituirlos Por La Más y naturales de la anatomía Nuestra correcta. A menudo, la tendinitis que afectan a la 'antebrazo o la muñeca se origina en la finca del violín , debido a la contractura (sostenido e inconsciente) de los músculos del cuello pueden ser las repercusiones sobre la cascada en los brazos, antebrazos y muñecas, provocando una descarga de tensión de la cadena que sólo superficialmente sus efectos en un tendón inflamado, en cuyo caso debe "desbloquear "cuello y luego dejar que los tendones curan, otros factores pueden contribuir a este bloque del cuello es la" humedad. infrecuente No es Que La Que afectan la tendinitis un 'antebrazo o si el original Muñeca violín en la finca, ya Que la contractura (Sostenido e inconscientes) de musculus 'cuello' de los servicios pueden REPERCUSIONES Las Más sobre La Cascada En los brazos, antebrazos y Muñecas de la Creación de Una Cadena de descargas Tensión sólo superficialmente sobre Efecto Sobre el tendón inflamado Primero Que en caso de Cuyo, "Abrir "el cuello" y Los Que Dejar Tendones Lueg cuidado; Otro factor PUEDE contribuir Que un bloque Este En El Cuello es la "Humedad. Un remedio fundamental en este caso (pero útil para todos los casos) es la práctica de la disciplina china conocida como "Tai Chi Quan", la base de Kung Fu es una disciplina de la postura y el organismo de control que nos permite cancelar la tensión muscular causado por una mala postura, en concreto hay algunos ejercicios para el cuello es llamar los "círculos" con el propio cuello. Una cura fundamentales en caso de Este (y util PARA TODOS Los casos) es la disciplina de tinta Practica conocida Como "Tai Chi Quan", la base del kung fu es la disciplina de la postura de control Y El cuerpo nep Que Permite cancelar el Por Tensión muscular causado una mala postura, heno concretas en ALGUNOS PARA EL Ejercicios Cuello es Los llama "Círculos" Con El Propio 'cuello'.

La práctica diaria de estos ejercicios antiguos, combinados con una búsqueda consciente diaria de la postura corporal correcta, y se puede curar de forma permanente resolver muchos (si no todas) las formas de tendinitis, realinear el 'hueso y equilibrio de los músculos del cuerpo. Practica de Estós Ejercicios Antiguos viáticos, dietas Combinados una conciencia de la postura correcta del cuerpo búsqueda, y sí muchos PUEDE resolución de forma permanente de cuidado (si no TODAS) de las Formas tendinitis, El Realini 'y balance de Hueso de Cuerpo de los musculus . Sin embargo, hay varios ejercicios de calentamiento y estiramiento de los tendones. Sin embargo, Ejercicios Varios de heno y Calentamiento de los Tendones estiramiento. ¿Qué va a ayudar a mantener los tendones y calentados antes de tocar el violín, y evitar el movimiento excesivo, lo que provoca el empeoramiento del dolor. ¿Qué va a Ayuda de mantenimiento de Tendones Los calentados y "antes" de violín Tocar el, y Evitar El Movimiento excesivo, Lo Que El empeoramiento de las causas del dolor. Hay varios hospitales en Italia y en Europa se especializó en el tratamiento de las enfermedades de los músicos profesionales. Varios Hay HOSPITALES Y en Europa en Italia si especializó En El Tratamiento de las Enfermedades de los musicos Profesionales. Uno se encuentra en Florencia, pero hay varios en Francia y Alemania. Uno si encuentra en Florencia, pero Varios heno en Alemania y Francia.

Mariachi Vargas de Tecalitlán en EU

2012-01-20T05:12:00.000-08:00

LOS ÁNGELES, ESTADOS UNIDOS (23/ENE/2012).- El Mariachi Vargas de Tecalitlán presentará un concierto único en The City National Grove de Anaheim, anunciaron aquí publicistas.

Reconocido como uno de los mejores mariachis de México, el grupo musical tendrá su concierto el 11 de febrero en esta área del condado de Orange.

El mariachi que ha participado en más de 200 películas fue fundado por Gaspar Vargas, Manuel Mendoza y dos violinistas en el municipio de Tecalitlán, del estado de Jalisco, México, en 1897.

Este ha grabado decenas de discos de géneros como pasodobles, valses, bailables, polkas y danzones, así como colaboraciones con grandes estrellas como Juan Gabriel y Linda Ronstadt.

La agrupación llevaba mucho tiempo y repertorios en ensayo, luego de que en sus inicios tocaban en las fiestas de los pueblos aledaños, siendo su música lírica, alegre y original, por lo que siempre era rodeada de multitudes, quienes escuchaban sus interpretaciones con gran entusiasmo, hasta consolidarse como una tradición.

El violinista Frolov cautiva al público de l’Auditori en el Concierto de Año Nuevo

2012-01-13T05:19:00.000-08:00

8 de enero de 2012 por la tarde l’Auditori de la Mediterrània de La Nucía acogió el tradicional Concierto de Año Nuevo en el que actuó la Orquesta de Jóvenes de la Provincia de Alicante con el Director invitado Anton Gakkel y el prestigioso solista de violín Andrei Frolov. El virtuoso solista ruso deleitó al público con un violín del siglo XIX con un sonido deslumbrante.
El concierto de año nuevo incluyó la actuación estelar, como solista, del reconocido violinista ruso Andrei Frolov, interpretando el Concierto para violín y orquesta en Re Mayor opus 77 de Johannes Brahms. La interpretación de Frolov impresionó a los espectadores que en un silencio absoluto siguieron con admiración el dominio del solista ante una de las obras más difíciles del repertorio para violín. De hecho, en los primeros años esta obra de Brahms, tras su estreno el 1 de enero de 1879, fue considerada como “imposible de tocar”. Actualmente es una de las obras más valoradas para violín que ha sido interpretada por los más consagrados violinistas.
Andrei Frolov tocó en l’Auditori de la Mediterrània de forma fiel e intensa esta composición de Brahms, tan exigente y hasta acrobática para las manos, demostrando un dominio absoluto, muy aplaudido, y lo hizo con un violín italiano Francesco Pressenda de 1811. Este violinista ha tocado bajo la dirección de grandes directores como George Solti, Zubin Metha, Igor Markevich o James Levine y ha formado parte de la Orquesta Filarmónica de San Petersburgo durante once años.
El programa del primer concierto de 2012 en el Auditori de la Mediterrània ha incluido una segunda parte dedicada a la Suite de Cascanueces de Tchaikovsky, la versión orquestal del ballet Cascanueces del mismo autor. Una obra musical, de difícil interpretación, con ocho escenas del ballet más famoso del mundo. La Orquesta de Jóvenes de la Provincia de Alicante creada por Francisco Maestre interpretó esta obra de Tchaikovsky con soltura y gracia especial dirigida por Anton Gakkel y acabó el concierto con dos bises, reclamados unánimemente por los espectadores. Los bises fueron la Marcha Radetzky de Johann Strauss –padre- convertida en una pieza insustituible en un concierto de año nuevo y para terminar la Danza Rusa de Tchaikovsky en una versión vertiginosa que ha sido aplaudida atronadoramente por el público.

• El certamen contempla ocho conciertos y actuaciones del 27 de enero al 11de febrero y con figuras relevantes como el violinista Ara Malikian

2012-01-11T05:56:00.000-08:00

La Semana Musical Vicente Lillo Cánovas celebra este año su 25 aniversario y lo hará a lo grande con la participación en su apertura de la Escolanía del Misteri D’Elx y en su colofón con el Ballet de Teatres de la Generalitat. Ocho conciertos y actuaciones que se celebrarán entre el 27 de enero y el 11 de febrero a lo largo de tres fines de semana donde los aficionados a la música tendrán también la oportunidad de disfrutar del violinista Ara Mailikian con al Orquesta Sinfónica de San Vicente.
La alcaldesa, Luisa Pastor, ha destacado el programa presentado que incluye actuaciones de primer nivel en un año en el que se celebra un evento destacado como es el 25 aniversario de este certamen musical, por cuya gestión ha felicitado al concejal de Cultura y a los técnicos del Conservatorio de Música Vicente Lillo Cánovas.
“Es una gran suerte poder contar con la Escolanía del Misteri, con el Ballet de Teatres de la Generalitat o con Ara Malikian, además de con las demás formaciones musicales, y particularmente las locales, en esta celebración, que bien merece resaltarlo dado que se ha hecho con un presupuesto muy ajustado dada la coyuntura económica general” ha resaltado Pastor.
El concejal de Cultura, Saturnino Álvarez, ha explicado que “vamos a tener un 25 aniversario especial y de referencia dentro de este tipo de certámenes musicales” “La Semana Musical Vicente Lillo Cánovas se encuentra es una de las citas musicales más veteranas y de mayor prestigio de la Comunidad Valenciana y, en esta ocasión, creo que hemos preparado un programa muy al gusto del público local”, ha añadido el edil.
Álvarez ha señalado que todos los conciertos serán en el Auditorio del Centro Social, salvo la actuación del ballet de Teatres de la Generalitat que tendrá lugar en el Paraninfo de la Universidad de
Alicante, por lo que ha reiterado su agradecimiento por la colaboración de la institución universitaria.
Precios simbólicos
Este año se ha continuado un año más con precios simbólicos de entre 5 y 10 euros la actuación, salvo el de la Masa Coral La Aurora y al Sociedad Musical La Esperanza que será gratuito. Además se podrá adquirir un abono completo de 41,25 euros.
Las personas con carné de jubilado o pensionista, con el Carnet Jove o alumnos del Conservatorio gozan de importantes descuentos, al encontrar las entradas de 5 euros a 3,75 y las de 10 a 7,5 euros, al igual que el año pasado.
Las entradas pueden adquirirse en la caseta instalada en la plaza de la Comunitat Valenciana (frente al Ayuntamiento), de lunes a viernes en horario de 11 a 13 horas y de 17 a 19 horas, así como los sábados de 10 a 13 horas, o a través de ServiCAM. Las entradas sobrantes se pondrán a la venta una hora antes de cada actuación en la taquilla del auditorio hasta completar el aforo.
Programa
La Semana Musical arranca el 27 de enero con la oportunidad de escuchar las voces blancas de la Escolanía del Misteri d’Elx, en un concierto el 27 de enero, a las 20.30 horas, en el Auditorio del Centro Social, con entrada a cinco euros.
Este coro cuenta con más de quinientos años de tradición ininterrumpida. La Escolanía se constituyó formalmente hace más de medio siglo para nutrir las voces de La Festa en la representación del darma sacro-lírico del Misteri d’Elx. Ha participado en numerosos conciertos y proyectos y ha colaborado con artistas como Amancio Prada o Lluis Llach. Actualmente está integrado por 55 voces de niños entre 9 y 14 años y un pequeño coro juvenil de 15 voces mixto de entre 15 y 17 años, bajo la dirección de Francisco Javier Gonzálvez Valero. Interpretarán doce piezas entre las que se encuentran el “Salve Regina”, “Araceli” y “Coronación Gloria”, del Misteri d’Elx.
El 28 de enero será el turno del Cuarteto de Cuerda Quiroga a las 20 horas en el Auditorio del Centro Social con entrada de 10 euros.
Es uno de los grupos más sobresalientes de la nueva generación europea integrado por los violinistas Aitor Hevia y Cibrán Sierra, Josep Puchades a la viola y Helena Poggio al violonchelo. Nacido con la voluntad de rendir homenaje al violinista gallego Manuel Quiroga este cuarteto es habitual en las salas y festivales musicales más importantes de Europa, donde ha obtenido múltiples galardones. Este año iniciarán su primera gira norteamericana por Nueva York, Washington y Los Ángeles, por lo que San Vicente será la antesala de la misma.
El 2 de febrero los asiduos a este certamen tendrán una cita clásica con un grupo de metales. En este caso será European Brass Limited, a las 20.30 horas en el Auditorio del Centro social con entrada de 10 euros.
Grupo de metales compuesto por nueve músicos (tres trompetas, dos trombas, dos trombones, bombardino y tuba) ofrecerá un repertorio con arreglos de piezas tan conocidas como Spain y otras obras compuestas ex profeso para esta formación, habitual en los festivales musicales de España y Francia.
El 3 de febrero se presentará un concierto de un trío de dos trompetas y piano, a las 20.30 horas, en el Auditorio del Centro Social con entrada de 5 euros.
El trío está formado por Pacho Flores y Luis González, a la trompeta, y José Gallego al piano. Todos ellos cuentas con una dilatada formación musical, con la participación en prestigiosas orquestas y la obtención de premios y distinciones, que se unen para un concierto de cámara original por la combinación de los instrumentos de viento y cuerda.
El 4 de febrero será el turno de un ensemble de saxofones procedente de Madrid, componentes el que ofrecerá un concierto bajo la dirección de Eloy Gracia, en el Auditorio del Centro Social a las 20 horas con entrada de 10 euros.
La formación responde al amor por este instrumento de su director, profesor solista de la Banda Sinfónica Municipal de Madrid, que integra toda la variedad de saxofones. La fuerza y empuje de Eloy García, junto con su dilatado curriculum, le ha permitido ser una referencia nacional en la interpretación de este instrumento y con ello conjuntar un grupo consolidado de saxofones que fomente la difusión de este instrumento.
Destacar que en el repertorio incluye la interpretación del Concierto con mucha marca dedicado al maestro local Manuel Lillo
Una de las actuaciones más esperadas es la del 5 de febrero la Orquesta Sinfónica Académica de San Vicente del Raspeig con la interpretación como solista del violinista Ara Malikian, a las 19 horas en el Auditorio del Centro Social, con entrada de 5 euros.
La actuación de la Orquesta de San Vicente no es una novedad en esta Semana Musical, pero en esta ocasión sí lo será por hacerlo junto al solista libanés Ara Malikian, uno de los más brillantes y expresivos violinistas de su generación, con un dilatado y extenso curriculum. Los aficionados a la música podrán volver a disfrutar de este genio de la música que debutó en este certamen en 2009 con el espectáculo musical “Pagagnini”.
No faltará como es costumbre el concierto conjunto de las dos formaciones musicales decanas del municipio la Masa Coral “La Aurora” y la Sociedad Musical “La Esperanza, a las 20.30 horas, el 10 de febrero, con entrada gratuita en el Auditorio del Centro Social.
Ofrecerán un concierto con dos partes, una primera con intervenciones individuales de cada formación, y otra conjunta en la que interpretarán “Coro de esclavos hebreos del Nabuco de Verdi”, “Coro de peregrinos de Tannhäuser de Wagner” y Perla Alicantina de José Alfonsea Pastor.
El colofón al programa del 25 aniversario lo pondrá el sábado 11 de febrero en el Paraninfo de la Universidad de Alicante la actuación del Ballet de Teatres de la Generalitat, con “Carmen” de Bizet, bajo la dirección de Inmaculada Gil-Lázaro, a las 19 horas, con entrada de 10 euros.
XXV SEMANA MUSICAL VICENTE LILLO CANOVAS AÑO 2012
DÍA 27 DE ENERO
ESCOLANÍA DEL MISTERI D’ELX
Lugar: Auditorio Centro Social
Hora: 20,30
Entrada: 5 €
DÍA 28 DE ENERO
CUARTETO DE CUERDA QUIROGA
Lugar: Auditorio Centro Social
Hora: 20.00
Entrada: 10 €
DÍA 2 DE FEBRERO
EUROPEAN BRASS LIMITED (METALES)
Lugar: Auditorio Centro Social
Hora: 20.30
Entrada: 10 €
DÍA 3 DE FEBRERO
TRÍO DOS TROMPETAS Y PIANO
Lugar: Auditorio Centro Social
Hora: 20.30
Entrada: 5 €
DÍA 4 DE FEBRERO
ENSEMBLE DE SAXOFONES MADRID
Lugar: Auditorio Centro Social
Hora: 20.00
Entrada: 10 €
DÍA 5 DE FEBRERO
ORQUESTA SAN VICENTE Y ARA MALIKIAN
Lugar: Auditorio Centro Social
Hora: 19.00
Entrada: 5 €
DÍA 10 DE FEBRERO
MASA CORAL “LA AURORA” Y SOCIEDAD MUSICAL “LA ESPERANZA”
Lugar: Auditorio Centro Social
Hora: 20.30
Entrada: Gratuita
DÍA 11 DE FEBRERO
BALLET TEATRES DE LA GENERALITAT
Lugar: Paraninfo Universidad de Alicante
Hora: 19.00
Entrada: 10 €

Violin - Orquestra abre três vagas para violinistas

2012-01-06T05:53:00.000-08:00

Orquestra abre três vagas para violinistas A Orquestra Filarmônica Cesumar vai selecionar, através de testes, novos violinistas, no dia 23 deste mês, para o preenchimento de três vagas.
Os interessados devem apresentar uma música de livre escolha, um estudo específico do instrumento (violino), uma escala com tonalidade escolhida pela banca examinadora e uma leitura a primeira vista, que será cedida pela banca examinadora.
O teste será aplicado no Departamento de Cultura e Artes, lateral do Bloco 7, das 14 horas às 18 horas. Mais informações pelo telefone (44) 3027-6360, ramal 373, pessoalmente ou então pelo email orquestra@cesumar.br.

Orquestra Cesumar selecionará novos violinistas

2011-12-30T06:00:00.000-08:00

A Orquestra Filarmônica Cesumar fará testes para novos violinistas, no dia 23 deste mês, para o preenchimento de três vagas.
Os interessados deverão apresentar uma música de livre escolha, um estudo específico do instrumento (violino), uma escala com tonalidade escolhida pela banca examinadora e uma leitura a primeira vista, que será cedida pela banca examinadora.
O teste será aplicado no Departamento de Cultura e Artes, lateral do bloco 7, das 14h às 18h.
Mais informações pelo telefone (44) 3027-6360, ramal 373 ou pelo e-mail: orquestra@cesumar.br.
ASSESSORIA DE IMPRENSA

CESUMAR – CENTRO UNIVERSITÁRIO DE MARINGÁ

03/01/2012

La Revolución del 432 Hz

2010-09-01T10:26:00.000-07:00

La deriva del diapason (traduccion de Diana Cabrera Pinto)
Cada día, cuando cogemos nuestro violín, lo primero que hacemos es afinar con la referencia a 440 Hz,o (442 Hz), llamado el diapasón de referencia. Pero, ¿qué hay detrás de esta operación trivial? Muchos de ustedes pensarán... nada! "La" 440 Hz es una referencia de sonido debidamente establecido y evaluado, además la historia del diapasón ha levantado a fin de hacer frente a una empresa, cada vez más ruidosa y necesitan brillantes y fácilmente escuchar los sonidos. Hasta ahora, así que podría perfectamente cerrar nuestra historia, si no por el hecho de que, en realidad, la cuestión de diapasón musical, al final del siglo XIX, fue un hecho político real, lucha que va más allá de cuestiones casi totalmente musicales. El primer diapasón de la historia se invento alrededor a una frecuencia de 415 Hz (instrumentos de Renacimiento). Pero en realidad, analizando algunos instrumentos arcaicos (egipcios, griegos, etc.), hay una aparición especial de un diapasón ajustado alrededor de Hz 432. El mismo Green encargado de su orquesta y un diapasón de la Hz 432 sucediendo incluso, para obtener de la Comisión del Gobierno, un decreto que establece en Italia esta altura para el diapasón de música. La carrera a la "subida" comenzó con las bandas de Rusia y Austria (en el momento de Wagner) y fue el resultado de un análisis en profundidad de los efectos de sonido especialmente en los seres humanos, se ha visto un diapasón más aguda (440 y 450 Hz) que creció en soldados en la guerra, una especie de inestabilidad y agresividad, útil para fines militares. Fue posteriormente aprobado por los Nazis para inspirar mejor las tropas. La propaganda Nazi, con el Ministro Jhosef Goebel, impusieron con adopción artísticos en toda Europa, cosa que hubo grandes protestas en Francia. Desde entonces (en algunas conferencias imaginarias de expertos) fue estabilizado completamente el mundo musical 440 en la práctica. De vuelta, por lo tanto, hablar de efectos de sonido sobre los seres humanos, como hemos visto, un diapasón muy agudo crea irritabilidad y agresión en tropas a la guerra. Este fenómeno, (hoy explica totalmente con la investigación moderna sobre las ondas cerebrales), es genial pensar cómo la historia, la política y eventos pueden influir en nuestro mundo musical. En particular, concedidos a 440 Hz, los sonidos que allanaría el camino para la producción de las ondas cerebrales "Beta". Como ya sabrá, nuestro cerebro produce, durante sus actividades diarias, una serie de infrasuoni, en particular, la regla que se refiere como "Beta", es un Estado de la producción de infrasuoni (entre 9 y 15 Hz) fases típicas de ansiedad, angustia y reacción. En otras palabras lo que están prestando apoyo a varios científicos, artistas y académicos, es que la elección de 440 Hz es uno de los mayores errores, "pasados por la ley" de la historia musical. Graham H Jackson canadiense músico y estudioso de la ciencia musical, profesor de música en la escuela de Wadorf Rudolf Steiner, habló de la experiencia de María Renold, sonica, pianista e investigadora sobre los efectos de afinaciones diferentes; en el libro de intervalos, escalas y tonos relata sus experiencias, entreteniendo a huéspedes con conciertos en dos afinaciones (440 y 432), en los años 20, con más de 2000 personas entrevistadas y probado, 90% prefirió la afinación a 432 hz, porque llevaba la música, "… en un más íntimo, con la sensación de ser envuelto por la música en sí, que parece emerger desde el centro de la misma habitación." Esto valida que el sonido producido y determinada por un equotemporale de escala, sobre un 256 hz y los 432 hz, es la referencia al "libre tono etérico" citado por Rudolf Steiner en muchos de sus tratados, una especie de operativos adicionales en resonancia armónico y simpatía con la herramienta. Al parecer el sólo capaz de resistir las composiciones en su armonía también a 440 Hz, son aquellos escritos por Mozart, Al parecer el sólo capaz de resistir las composiciones en su armonía también a 440 Hz, son aquellos escritos por Mozart, (quién!). En este punto, como alzándome una mañana después de un mal sueño, creo...... ¿Cuál es el punto de producir (por Convenio) una música completamente antinatural pero física, que genera caos y la falta de armonía? Puesto que sería beneficiosa y agradable escuchar toda la música escrita, a una altura que vibran para todos sin importar (incluidos nosotros, mientras que escuchamos). Lamentablemente no siempre todo es adoptado por Convención aporta un beneficio real. Mientras escribo poco a poco, sin embargo, es montar una pequeña revolución desde abajo, están comenzando a armar orquestas pequeñas en todo el mundo, músicos individuales, teóricos, estudiosos interesados en el tema, que saben que un día, esperamos no demasiado lejos, se pueda remediar este problema, que, sin duda, debemos considerar como una cuestión de urgencia.

«Nunca fue adoptado en Francia el diapasón normal (que, a continuación, ascendieron a 435 Hz,), fueron adaptandose por nosotros; y formalmente en orquestas de diferentes ciudades en Italia, entre otros el de escala, reducir la representación concurriendo francés normal.

Si la música con el Comité creado nuestro Gobierno cree, para requerimos de las matemáticas, reduce 435 vibraciones de corista francés en 432, la diferencia es tan pequeña y casi imperceptible al oído, que estoy de acuerdo. Es un error grave, muy grave, tomado como es desde Roma propondría un diapasón de 450 vibraciones.

Estoy de acuerdo que bajar el coro no distraer la ejecución de la sonoridad y fuerza; pero en su lugar da algo más noble, más completo y majestuoso que no podía dar la .Vivir tocado demasiado fuerte.

Por mi parte me gustaría una representación única aprobada en todo el mundo musical. El lenguaje de la música es universal: así que por qué es la nota que tiene el nombre de París o Milán deben convertirse en un si bemol en Roma?». Giuseppe Verdi

En mi próxima entrega hablaremos acerca de por qué la perfección de un ajuste de la horquilla 432 Hz (dicho diapason científico) y sus efectos beneficiosos. Mientras tanto, para aquellos que deseen experimentar allí regalo nuestro video YouTube para conceder tal un diapasón de los 432 Hz.

Manténgase en contacto!

Método de Violín - Curci Young – Duetos de Violín

2010-04-03T15:42:00.000-07:00

Curci joven presenta "Alighiero en concierto: Romantic".
Publicado por nuevo libro de Curci Young "Alighieri en concierto: Romantic" Antonella Aloigi Hayes violinista y el pianista Carlos Mormile. El volumen es una colección de dúos para violín tomadas de canciones famosas de la tradición de violín romántico. El libro es parte de la exitosa serie de "Alighieri - El violinista Frog" hijos predilectos. El libro incluye una unidad de CD que no sólo contienen los registros de todos los dúos se complementa con valiosos consejos para jóvenes violinistas. El método práctico "menos uno" CD-ROM le permite excluir todos "escuchar cada uno de los dos violines. Silenciar la parte de "estudiante, puede realizar las letras de las canciones a dúo en el hogar. El volumen (tomando el ejemplo de los repertorios propuestos) violín enfrenta varias dificultades como: los trazos de arco principal (y el dominio del mismo)
Los tonos, la 1 ª posición, la "elasticidad, ligereza, rapidez y coordinación de la mano izquierda. Al escribir la primera parte de dúos tema es que los alumnos del segundo curso, mientras que la segunda para estudiantes de tercer curso. El libro está dividido internamente por un marco que comprende un ejercicio preparatorio y su aplicación en el repertorio para dúo especialmente riamaneggiato (la famosa técnica aplicada).

Una de las cosas que creo que la mayor parte de este volumen es la
posibilidad de estimular un joven violinista desde el 'principio de su carrera con los directorios como tratan a menudo (con razón) como puntos de llegada, ser capaz de tener, básicamente, las presiones importantes para el joven estudiante en su camino (que como sabemos se inicia en una etapa dura y no muy musicales). Con este volumen damos a un joven violinista el placer de poder disfrutar de grandes melodías y obras de famosos como: el capricho de Paganini N ° 24 y 9, el gran tema del Concierto para violín de Mendelssohn (Op. 64) o Shubert "El Danubio azul. Las canciones con sus ejercicios de técnica preparatoria se incluyen en el libro en orden de dificultad creciente.

Recomiendo este libro a todos los profesores que sienten la "necesidad de estimular la expresión el musical" de sus alumnos sin hacer dificultar indebidamente o insuperable para ellos. Por un crecimiento musical (y técnica) con toda serenidad, un trabajo que tiene como objetivo estimular la relación interna del estudiante con su instrumento.

Jazz Violín - Lección Improvisación # 3

2010-03-06T15:58:00.000-08:00

Continuamos nuestro viaje en "la improvisación y practicar las lecciones aprendidas en el sitio de Lucas Ciarla Jazzitalia aquí va la lección 3!

Lección III.

El violín en la tradición clásica se utiliza principalmente como un instrumento melódico y solista. En algunas tradiciones y jazz moderno, también se utiliza en términos de ritmo e incluso en el ritmo de acompañamiento (Groove). Con la técnica de cortar puede crear el arranque de sonido en particular (sin tono, que no está clasificada como se sabe, casi sonidos de percusión), que, si está en forma convincente, puede dar lugar a patrones de acompañamiento (Groove) realmente eficaces. El uso de la terminología Inglesa es inevitable, dado que algunos términos se puede encontrar traducciones que tenemos un sentido del deber y tiene la misma claridad. Antes de empezar a tocar el violín con el arco, le recomiendo dejar mucho espacio para el talón, de lo contrario el efecto es disminuido.

Esto es lo que hay que hacer para alcanzar la técnica:

Colpire, posiblemente la más baja, cerca del talón, con un movimiento de la muñeca y los dedos (golpear puede parecer excesivo, pero si no eres nada demasiado cortés sale)
2. Normalmente trata de mantener el arco recto (vertical) o ligeramente orientado hacia el teclado, en este caso, tratar de voltear hacia usted (como si fuera a ejecutar un rebote con la madera)
3. El efecto es aún más evidente si se amplía el violín.
Si se las arregló para conseguir un sonido que se siente más como un ruido. ... Ya está. Ahora el arte consiste en saber cómo controlar este sonido y añadir a otros más establecidos para crear un surco satisfactorio.
Ahora tratamos de codificar los diferentes sonidos que probablemente han encontrado tratando de que la técnica de cortar.
El sonido hueco (o ruido) que se ha llamado difícil cortar. El sonido como el que seguramente usted ha sido capaz de obtener, pero que corresponde a un concurso llamado "suave CHOP. También se han escuchado los sonidos que, por ejemplo se siente cuando se levanta el arco de las cuerdas, tan pronto como se golpeó. Estas notas se conocen como chiameremoghost. Querer codificar todo en la música que usamos estos signos:

Ahora tratamos de crear una calidad de surco.
Trata de tocar lo siguiente:
Cool cortar surco
Durante las pausas de descanso en croma el arco sobre las cuerdas (de ahí la creación de notas fantasma que he preferido no escribir y no complicarles la vida.)
Esta técnica es sin duda mucho más fácil de aprender, ver a su hacer. Video Chop & Grooves de Darol Anger, un maestro de la técnica de cortar, nos será de gran ayuda.

Jazz Violin Lessons - improvisación L '2 (para todos los tipos de música)

2010-03-05T15:43:00.000-08:00

Esta es la segunda lección de improvisación Lucas Ciarla Jazzitalia tomado de la página web. Usted puede estudiar un autodidacta 's improvisación en el violín, pero como de costumbre, mi consejo es consultar a un buen maestro y seguir sus consideraciones musicales y estilísticas.

Lección II.

Volvamos a nuestro querido (y quizás incluso odiado!) Oh Susanna. Es fácil y divertido para una canción que se presta bien a un cambio repentino de la bluegrass, swing y del jazz. Reproducción de la canción de oído, por supuesto, se observa la simplicidad de la estructura en términos de armónica y formal. De hecho, los acuerdos básicos son importantes las tríadas, y si tocamos la canción en Re mayor, son, precisamente, D, G, y la mayoría, a saber: I, IV y V grado de la escala. Aquí la estructura armónica en Re mayor (simplificado desde el punto de vista rítmico).
Luego tomo el violín (o viola o lo que quieras!) Y después de correr de nuevo el tema, tocamos en la sucesión:

1. Fundamentalmente la tríada para cada línea (por lo menos 3 veces, a continuación, volver, entonces el mínimo, etc.)
+ Tercer acuerdo
2. Fundamental (RE - FA # tres veces, y luego - Do #, etc.)
3. Fundamental, tercero y quinto (RE - FA # - LA, etc.)
4. Fundamental, tercera, quinta y octava (RE - FA # - LA - RE, etc.)
5. Escala Rey siempre el mayor partido de apertura de la (entonces jugar - SI - DO # - RE - MI - FA # - SOL - LA)
Hecho? Tema tocado de nuevo y terminó la canción. Ahora toma todo este trabajo en todas las claves. ... Es una agotadora, pero la única manera de aprender a conocer verdaderamente a una canción y nuestro instrumento.

Lección de violín Jazz - Improvisación 1(para cada tipo de música)

2010-03-04T15:38:00.000-08:00

Roam la red me encontré en el sitio de la improvisación Jazz-italia interesantes lecciones de violín (para cualquier tipo de música) por el renombrado violinista italiano Luca Ciarla. Proponemos que en cada uno de lecciones individuales.

Lección I

Comenzar a improvisar con el violín no es fácil para aquellos que han tenido un ambiente clásico. Siempre recomendamos que se ponga el mundo de la improvisación, con tres enfoques diferentes al principio.

Enfoque # 1 Suonate ornamentación canción "Oh Susanna" en Re mayor y comenzar a moverse en todos los tonos de semitono aumento de ejecutarlo como si fueras a grabar las voces. Para cada módulo, intente agregar "al vuelo", una nota de paso, un bichord, una pausa, etc. Las posibilidades son muchas, aunque se mantiene anclado en el tema. Trate de añadir algo al instante, aunque pueda parecer desagradable.

Enfoque # 2 Explorando Escalas para crear instantáneamente una combinación de notas con la escala de Re mayor. Al asignar un número del 1 al 8 para cada nota de la escala (por ejemplo, LA es un 5, es un 6, etc.), Tratan de crear una melodía con las notas como si fueran números. Imagine una secuencia de números (por ejemplo 3- 7- 2- 6- 4 -8 -1-5) y tratar de tocar inmediatamente después. Luego haga lo mismo en todas las claves. Pretenden crear la música de serie, pero casi al instante!

Enfoque # 3 Improvisación Total puede ser un punto de partida y un punto en la vida de un músico que quiere o sabe improvisar en su instrumento. Piense, por ejemplo,
Keith Jarrett y sus conciertos de piano solo, donde a menudo la creación es completa, lo que significa que la música que se escucha es completamente establecido en instante. Bueno, la totalidad de la improvización(o radical) también puede ser utilizado en una fase temprana de aprendizaje y puede ser de gran ayuda para "desbloquear" un músico desde el punto de vista psicológico. De hecho, casi todos los violinistas son capaces de improvisar durante algunos segundos. Cuando se prueba un arco de violín o un nuevo violín, se tocan notas al azar, , fragmentos de conciertos, sonatas, escalas u otros y se siente como tocar en la cuerda G, notas altas, el salto, etc. Aquí, en estos pocos segundos, a veces en realidad es la improvisación, en el sentido de que puede pasar a desempeñar una sucesión de notas no es necesariamente predeterminado. Esta experiencia poco pronto puede convertirse en algo más sustancial. En el mismo espíritu que se produce cuando se intenta un violín que no saben, tratamos de crear una música instantánea nunca había escuchado antes, dejar ir completamente y simplemente escuchar a nuestro sonido.

Partitura Violino, Musica - Petrucci Music Library (I.M.S.L.P)

2010-02-05T18:21:00.000-08:00

Partituras de violín- Petrucci Music Library (I.M.S.L.P) I.M.S.L.P un ambicioso proyecto

Literalmente significa International Music Score Library Project (IMSLP) es el ambicioso proyecto (en Wiky estilo) propone crear el mundo más grande de partituras musicales, una especie de enorme biblioteca virtual donde usted puede encontrar todos de dominio público ordenó para compositor, edad, género, instrumentación, un análisis musical y la puntuación, forjar de un foro muy útil, musical puntuaciones red hace un maravilloso IMSLP ayudar a nosotros los violinistas y para cualquier instrumentista. La facilidad con la que podemos (y será cada vez más con el tiempo) para encontrar y compartir partituras para violín es uno de los aspectos más interesantes de sin cargo compartiendo la mitad de la Internet. Específicamente Petrucci Music Library está interesado también en la difusión de las puntuaciones de autores contemporáneos. Un tipo de comercio y la circulación de los compositores, vehículo que harán que su música disponible, por lo que puede ser conocido, y porque no también analizó por otros usuarios. Dijo que visitar los restos de sitio!

P.S

ViolinistiNet de abrir tres nuevas secciones:

Lecciones de violín (vídeo)

Partituras para violín libre

Canal de YouTube (archivo de vídeo de violinistas famosos)

Buena Navegación!

P.S2

Para aquellos que estaban preocupados, la fantasía de violín eléctrico publicada en fotografías en el post anterior es un

"Violín de Gavari" un violín aún experimental que se presentarán poco en la Feria de diseño de Tokio! Este maravilloso violín eléctrico fue diseñado por Gerda Hopfgartner. Aquí es el link.

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Technology - Violino y Web

2010-02-05T18:18:00.000-08:00

Tecnología - El violino de la Web en el CyberMundo

El estudio del violín disponible para nuevas palancas han aumentado significativamente con la llegada de internet. La capacidad de compartir información en foros, consejos, las comparaciones y experiencias que podemos tener una comparación considerablemente ampliada que cuenca a incluso hace diez años. Usted sabe, conocimiento ayuda a crecimiento, por lo que los "secretos" del violín antes consideran tan valioso y confidencial casi con celos en un círculo más o menos restringido de nivel de músicos, hoy navega la red libre. Un flujo de información a la que miles de violinistas en el mundo pueden tener acceso para poder formar su experiencia, la cultura y la carrera. Un patrimonio invaluable cognitivo que se utiliza. Profundos y compartidos resultados actuales son los ojos de todo el mundo, que con estos medios poderosos crecieron considerablemente y antiguos términos de comparación entre el concepto de "buena"y "pobres" ahora han cambiado considerablemente. La información circular sin duda crea una homogeneidad de niveles técnicos (global, moderna, unificada técnica, ya no vinculado a la vieja escuela). Pronto se desarrolla (al menos en mi opinión) una profundización de la investigación "de la primera" y personalización en todas sus formas y posibilidades. Girovagando en la web encontró varios sitios y variadas ideas sobre el violín, algunas muy útiles otros algo menos, pero sin duda extravagantes.

Ayudarme la más grande es el portal de conosciutissimo de google "YouTube". Es impensable estudio hoy un repertorio o un estilo sin comentarios visuales de los mejores artistas de la escena y que significa mejor de YouTube para poder observar, escuchar a, comparar la ejecución de un artista en lugar de otro. Es evidente que la comodidad, la velocidad y la economía de este medio hace sí que generaciones enteras están creciendo con un término de comparación y una conciencia de nivel altamente desarrollada. Sería impensable para un joven violinista hoy no ver los principales y más estima un repertorio antes de ejecutarlo. Es hace un año la creación de la Orquesta Sinfónica de YouTube, un mundo de orquesta completamente creado a través de audiencias convertidas vídeos de YouTube. Esibitasi el año pasado en el Carnage Hall de Nueva York. Aquí son como gracias a Internet también la meritocracia, todo el mundo desde su casa puede ponerlo en juego y sin
ningún movimiento costoso dado la oportunidad de desarrollar su carrera. Casi otro mundo! impensable hasta hace poco. Un fenómeno interesante son la WebTv y aquí, (passatemelo) que debo necesariamente poner en tela de juicio con mi SibeliusTv un WebTv completamente dedicada al violín, también tenemos Medici.tv otro WebTv un fantástico que es el mundo clásico más general. Uno de los sitios del mundo principal para violín es TheViolinSite, un portal dedicado al mundo violinístico de completisimo. Otras ideas más extravagantes son: Get-tuned.com un accordatore virtual del sitio para diversos instrumentos, incluyendo el violín o Metrónomo en línea que, como el propio nombre sugiere, es todavía un metrónomo virtual. Comprender cómo nuestro mundo ha sido totalmente revolucionado y lo que esperamos para el tiempo de corto futuro. Antes era impensable (pero ya está) enfoque para el violín sin descubrir la red. Que se viven verá!

Mientras tanto, yo les doy un sincero agradecimiento a todos los violinistas usuarios de Internet!

P.s

Allí ser realizadas de forma interna por la link un sitio donde encontrará lección vídeo muy interesante para un principiante o una sociedad, conciliando todas las formas que se derivan de un buen profesor, porque sabemos... Es prácticamente imposible alcanzar un buen nivel con el violín por autodidacta.

Musica Etno - Lino Cannavacciuolo

2009-11-19T15:42:00.000-08:00

Entrevista con Lino Cannavacciuolo
De Francesca Guccione, editado por C. Merico; Traducciòn de D.C. Pinto

Nuestra entrevista hecha por Francesca Guccione ViolinistiNet al artista Lino Cannavacciuolo, el famoso autor compositor violinista Campania de los tres discos (Ca Na, Segesta, Aquada) y el símbolo de "El nuevo equipo" ficción Rai. Etno-concierto de música del mundo a nivel nacional e internacional. Un artista que es uno de los pilares del mundo de la música italiana.

En una entrevista Cannavacciuolo nos da un pequeño avance de su nuevo trabajo registrado.

Háblenos acerca de su comienzo en el teatro. Lo que fue y lo que han dejado en términos artísticos?

El teatro fue mi principio, tenía claramente un papel en la orquesta, pero aun así me fui un poco más allá de lo que hice porque estaba fascinado por todo, no quería aprovechar el trabajo en sí, yo estaba fascinado por el texto y cómo se vive el teatro y mis comienzos fueron muy interesantes y hermosos, porque yo era joven y comencé con Edoardo de Filippo (Parlamento en el 81) fueron los primeros años que Luca De Filippo tenía compañía y le fue dirigida por Edoardo.

Hablanos del encuentro con Beppe Barra.

Por Beppe Barra fue casi al mismo tiempo que tuvimos esta primera experiencia juntos, a continuación, en los años 90 cuando nos reunimos de nuevo, hicimos un viaje juntos es bello en cuanto a la música teatral.

¿Qué significa para usted la música popular y lo importante que es la música en sus decisiones?

Pues para mí, la música es un elemento popular en la mente y tal vez, usted sabe que en esta referencia, que haber vivido este mundo sólo puede convertirse en parte integrante, de modo que incluso cuando a veces siguen siendo llevado a imaginar un mundo donde voy a saber (hoy se dice que la música de la contaminación) en el interior siempre existe la raíz, es espontáneo, sale y no hay mucho que hacer!

Lo que más afecta en gran medida de sus actuaciones es la capacidad de llegar al público, y la creación de dibujos con su música, cada frase adquiere un poco de valor "un lírico, esta implantada en un producto o etno mundo, que ha trabajado mucho en laexpresión y el sentido de la frase musical?

Por supuesto, yo no soy un compositor en el verdadero sentido de la palabra, que he descubierto muy tarde, porque siempre he hecho el músico, pero he hecho el violinista a mi manera, nunca he seguido pautas muy precisas, ya sea en el momento del conservatorio, siempre he tenido una necesidad natural, por lo tanto también para la composición, pronto escuché esta necesidad natural de derribar las ideas, y con la humildad grande, que he hecho y lo siguen haciendo.

Su segundo álbum es Segesta, en nuestra opinión, uno de los mejores de Italia y los récords mundiales como puntos de vista de la originalidad, un disco rico en detalles que sólo después de muchas obras de teatro se puede robar. La toma de Segesta? ¿Cuán importante es este registro de su trabajo?

Segesta de otros CD, si hablamos de la primera, no hay verdadero comienzo de mi cuenta, también hay mucha ingenuidad, pero en esa sencillez que luego, en años, he vuelto a descubrir algo que realmente me reconoce. Segesta es un disco que dice que la mayoría de los otros dos, tal vez porque No había más tiempo para expresar a buscar dentro de mí realmente, representa mi verdadera identidad musical. Hablando de la tercera (Kana) es un disco que fue encargado por el museo en Venecia, donde me pidieron que me inspirara en la representación de Pulcinella, a continuación, un objetivo difícil en una dirección específica.

Hoy y durante algún tiempo que hace bien con bandas sonoras, como la que une las dos carreras? Se les ve como dos carreras separadas?

Sinceramente, es fascinante, porque en comparación con un proyecto de grabación, hacer música para las imágenes, que te pone en una situación particular, en las que han de inspirar a algo real, exacta y por lo tanto, es un hermoso viaje que me fascina mucho y que te hace descubrir muchas cosas, hace que la experiencia, incluso a una escritura que no podría haber pensado, sin embargo, tan natural y despersonalizado.

¿Qué es para usted, el violín?

El violín es algo que siempre ha existido y siempre he tenido un ojo puesto en la música contemporánea, incluso cuando yo era estudiante, mientras que otros amigos tocaban instrumentos más modernos, es decir, instrumentos que puedan prestar ese tipo de música, tuve el violín. Esta fue una forma de probar, porque yo uso el violín a la percusión, así que es una relación única, sobre todo porque es tu instrumento y es gracias a ella, que usted puede experimentar los sentimientos que desee y haga su instrumento todos los sentidos.

¿Qué pasa en su nuevo trabajo discográfico? Nos puede dar una anticipación?

Este CD tiene un contenido preciso y sobre todo concentrarse en el dolor de este momento, así que es un trabajo muy profundo, pesado y oscuro.

Ecco il clip tratto da youtube della colonna sonora de "La nuova Squadra".

Enseñanza - Método Suzuky

2009-11-19T15:34:00.000-08:00

Shinichi Suzuky

La verdadera razón para venir al oeste de Shinichi Suzuki, fundador del método era el de comprender el verdadero significado del arte, una respuesta que él esperaba encontrar en Europa en los años 20 - años 30. En Berlín, no sólo estudió violín con Karl Klingher Alumno de Joachim y estableció un violinista y maestro, pero se convirtió en un amigo cercano de Albert Einstein y se reunió con las nuevas ideas sobre la educación de los niños que se extiende a través de la generación de María Montessori y Jean Piaget.

La síntesis de este "aprendizaje", que tuvo lugar en un paisaje cultural rico y diverso se resume al final de su condena: "El arte no es algo que está por encima o por debajo de mí, el arte está ligado a mi esencia más profunda".

Esta profundidad de la investigación, la riqueza de la cultura musical europea y el desarrollo de los métodos educativos nuevos e innovadores en el que el niño se convierte en el sujeto, luego, fueron el terreno fértil de la que, gracias a que el maestro visionario y emprendedor que era Shinichi Suzuki , nació Método Suzuki.

Es un hecho que el repertorio aprendido por los estudiantes en el método Suzuki, partes más simples hasta piezas de concierto, se refiere exclusivamente a la composición barroca o romántica patrimonio de Europa, principalmente de Alemania, Italia y Francia. En su libro se refiere a Suzuki Pablo Casals y otros artistas en Europa como modelo de estudio para los estudiantes con la intención de subrayar la importancia de la imitación correcta del sonido y una buena técnica de control al hacer los primeros pasos en la ejecución de instrumentos.

Suzuki se había dado cuenta de que su "imitación" es la base del proceso de aprendizaje en las primeras etapas de la vida humana y, a través de un método que él llama "lengua materna", demostró que se podía enseñar a un niño se le enseña a hablar nada más evidente y, sin embargo nada de revolucionario más extraordinario de los tiempos en que el gran maestro japonés ideaba y codificaba el método. De hecho, cuando un niño aprende a hablar escuchando y repitiendo las palabras que pronunció en innumerables ocasiones por los padres, así se aprende a tocar escuchando y repitiendo una pieza musical, un ritmo, una melodía que los mismos padres "entrenados" por el profesor, a proponer durante el día para que la familia resultante.

Porque en este punto la música se unieron en una forma natural de la vida del niño y su familia, se convierta para ellos "método de vida" A través del cual vamos a construir el carácter, se cultivará el buen gusto, desarrollará las buenas costumbres, usted no solo aprenderá a entrar en relaciones con los demás por las normas, sino también a perfeccionar la sensibilidad, especialmente las empresas que nunca será menor, más aún si será capaz de tocar un instrumento.

Además, mediante la inclusión de grupos de ritmo y luego la orquesta, el niño (los padres), puede ser considerado constante comparación con sus pares, aprender a entender en términos prácticos su papel dentro de un grupo, su peculiar estilo, su capacidad para ser y hacer con los demás sin tener que renunciar a ser, como Suzuki decía: "profundamente a sí mismo. " Este ambicioso objetivo, pero como dicen en el Oriente: "Debemos aspirar a la luna para golpear el águila". En estas pocas palabras encontramos sentido y todo el espíritu de la Escuela de Suzuki: el pleno compromiso de todos (alumnos, padres, maestros) para alcanzar los niveles de estudio y preparación y entrada en la orquesta, que es la gran ambición de todos los niños pequeños.

Contemporánea - Entrevista con Marco Fusi

2009-11-13T14:38:00.000-08:00

Marco Fusi y la música contemporánea.

de C. Merico - Traduccion: D. Cabrera Pinto

El blog se ha entrevistado con el músico Marco Fusi Joven y talentoso artista de la música contemporánea. Un programa rico en prestigiosos conciertos en Italia, y todos los 'extranjeros (Disney Hall en Los Angeles, Prensa Fiesolana, Rai Radio3). Un "todo la excelencia italiana entre los intérpretes de la música contemporánea.

¿Quieres hablarnos de tus antecedentes y de tu formación musical?

Mi formación ha tenido una manera bastante normal, yo estudiaba en el conservatorio de Milán, me gradué en 2003 en violín y composición en 2007 tuve la suerte durante mis estudios de conocer una serie de excelentes compositores como Alessandro Solbiatti, Fabio Vacchi con quien tuve la oportunidad de compartir este interés en la creación de nuevas obras para violín piezas para conjuntos pequeños, de todas formas desde los primeros años de estudio tenía gran interés por estas cosas. Después el conservatorio, lo intenté y sigo intentando encontrar el camino a la «interpretación de la música contemporánea y por eso me gusta estudiar con los miembros del« Ensemble Modern "y Dimitry Polisoidis, un gran violinista y violista que trabajan en Viena y unos de los más grandes músicos que he conocido!

¿Cómo llegaste a la música contemporánea?

En realidad tengo algunos vagos recuerdos en este modo, he estudiado los primeros años con Fulvio Luciani (Cuarteto Borciani) y estaban planeando un "ejercicio para 'Integrar de los cuartetos de Beethoven, al final de cada concierto se propuso una pieza encargada y se convierte en un estilo contemporáneo, inspirado en la ocasión de los cuartetos de Beethoven, y recuerdo en particular el primer movimiento de un cuarteto de Fabio Vacchi que me impresionó tanto que me fui de inmediato al conservatorio para preguntarle si había una pieza solo de violín que yo pudiera tocar, sorprendentemente pocos meses más tarde apareció con una nueva pieza para violín solo y la pensó para mí, dada la importancia de Fabio en la escena internacional del arte contemporáneo, para mí era una entrada "sobre cómo ingresar en este mundo desde la puerta de entrada principal.

Has tocado música de todos lados (Los Ángeles, por ejemplo) ¿Cuáles son las diferencias culturales que has experimentado en relación con Italia?

Existen diferencias enormes no sólo con los americanos, sino también con otros países de Europa "en los Estados Unidos también, la música contemporánea es muy diferente de cómo nos imaginamos, tanto como los americanos son las personas con menos arrogancia cultural por lo menos su música contemporánea no tiene ninguna pretensión de elitismo o zonas, está contaminada con mucho jazz y música étnica con lo que es más "fácil de entender" lo que queremos decir. En cuanto a otros países de Europa "

Pero la diferencia en la relación con la música en sí es enorme, yo estaba en Lucerna para una interpretación de "Gruppen", de Stockhousen y siempre voy a recordar a la señora donde me quedé en ese período, que era una «agricultora y me costó 70 francos ir a ver Gruppen llevada a cabo por Boulez. Me quedé en el corazón como un gesto de amor por lo que estaba haciendo! Así que más atención del público que es la hija (y también a su madre) de mayor interés de los que pueden permitirse el lujo de invertir en la cultura. Pienso, por ejemplo para los europeos gran conjunto que crean de interés público y que son esencialmente el resultado de los subsidios del gobierno en sus países.

Una pregunta un poco técnica, danos una idea sobre el concepto de sonido en la música contemporánea?

Sin duda, lo que ha sucedido en los últimos años ha sido la expansión del sonido al ruido, puedo citar dos ejemplos, sobre todo el primero, el cuarteto Lakeman escrito casi exclusivamente con los sonidos no convencionales, golpes con la vid, con rayado de arco más que en la etapa final o en las clavijas. Otra solución para mí fue el de la jaula, o demoler el nivel filosófico, la diferencia entre sonido y ruido y "reducir" el sonido al ruido de la fuente y el ruido al sonido creo que una de las piezas en el que los sonidos del medio ambiente en el trabaja a jornada completa o todo como "Ryoanji" que consisten en una sola nota (que la experiencia y tuve la suerte de llevar a cabo), que después de unos cincuenta minutos de marcha se convierte casi en un "objeto tangible" que es mi opinión el nivel filosófico de la admisión del ruido que el sonido de la música contemporánea.

¿Cómo un instrumento como el violín produce estos sonidos?

Sin duda, el violín en su historia y repertorio tiene su propio tipo de uso y una tradición muy particular, pero en realidad el enfoque que se puede tener, no tanto el instrumento como la música de este instrumento se considera que en nuestras manos tenemos simplemente un objeto que se puede reproducir en miles de maneras diferentes. Por ejemplo, hace unos años que toque una pieza de Benedicto Maison escrito para cerca de cincuenta musicos (en ese entonces la orquesta) y recuerdo que nunca se toca con los instrumentos convencionales, tocamos con un violín con un arco completamente redondo (construido especialmente para la «ocasión) lo que nos permitió tocar las cuatro cuerdas al mismo tiempo, o tocabamos con un arco tradicional y una especie de "uñas Violín" (como le llama él) o una tabla de madera con clavos que se inserta a continuación, ajustado de manera diferente al tocar con el arco en la forma ordinaria las uñas producen una especie de armónicos agudos. En cuanto al uso normal del violín contemporáneo en asesorar a toda persona a tener un segundo arco principalmente porque muy a menudo se trata de situaciones extremas, situaciones que deben abordarse con una perspectiva y una búsqueda de sonido y la interpretación es completamente diferente de los que se utilizan por ejemplo para el clásico y romántico.

¿Cuál fue la importancia de un artista como Luciano Berio para la música?

Esta es una buena pregunta porque Berio es muy interesante para mí es el segundo en su papel como sucesor de los principales de la tradición italiana, Berio fue un compositor de ópera, escribió muchas obras hermosas como Outis" lo es absolutamente. Su relación con el violín ha sido la de al lado de una tradición, pero tratando de compenetrar con otras tradiciones, de alguna manera o por lo que veo la "Secuencia" (su obra maestra de violín) La peculiaridad es el hecho de que tiene una gran cantidad de material en común con las grandes obras para violín, creo que al principio que de alguna manera recuerda a la "Chacona" Creo que el hecho de que la secuencia interna de la polifonía es un punto en particular, pienso en una forma de la mitad de 'las obras escritas en treinta (igual rápido) que me recuerda el Moto Perpetuo de Paganini (algo) detrás de esto, entonces creo que hay demasiados elementos de voz popular, el "inicio de la cadena de alguna manera, pueden recordar un coro Cerdeña. Esa idea para mí es que Berio ha llevado a cabo muchos estudios para componer la secuencia, sin duda la relación física con el instrumento en esta labor es vital, mi impresión es que Berio casi como "cuellos de botella" del violín a través de esta forma agresiva a la cima o dividirse en múltiples instrumentos con una polifonía realmente extrema y finalmente a través de la «utilización de diferentes tipos de silencio (que se cambió varias veces durante la ejecución) del más dulce silencio para llevar (silencio de los hoteles) y Es curioso observar cómo el instrumento se ve "cuellos de botella" no es una bonita imagen de un violinista! Pero encontré algo muy interesante!

En conclusión, ¿qué recomendación haría usted a un joven profesional que quiere acercarse a la música contemporánea?

Yo no recomiendo nada en particular, si no empezar a tocar sin ningún prejuicio, sigue siendo algo difícil en Italia, también está trabajando en la orquesta que veo con mis colegas que a veces ven en realidad una forma de prejuicio en parte en contra de esta música, proviene del hecho de que hemos escuchado y tenido un montón de "basura" porque, lamentablemente, no hay un filtro de este repertorio histórico, pero del otro lado de la realidad a menudo falta en la "agilidad mental para comprender que podemos hacer con un violín no es "sólo" (como inalcanzable) lo que hicieron en lugar de Brahms o Beethoven, Sibelius, hay una gran cantidad de territorios inexplorados. Lo hermoso de la música contemporánea es la posibilidad directamente junto a los compositores. Tengo relaciones con los compositores de las canciones ruta directa que corro, uno es llamado a todos los Gardella, Federico y es un excelente compositor con quien hemos trabajado en una obra para violín solista se llama "caprichosa", que es una alternativa obvia de la investigación en los sellos Nuestra herramienta (Fingercuppen más que lo golpearon con la madera, el puente de sonidos, etc) y el resultado de este trabajo es que la canción suena como una transposición de un capricho de Paganini en algunos aspectos, pero con un instrumental original perfecta.

¿Qué planes tiene para el futuro?

En los últimos meses han ocurrido muchas cosas y estoy feliz de poder contarles. En noviembre voy a estar en el Parco della Musica en Roma para dos conciertos con el Ensemble Algoritmo (una asociación nueva y muy importante para mí). Recientemente he terminado de grabar el primero de los dos CD dedicado a John Cage, para los que están negociando con varias compañías discográficas y, finalmente, en enero voy a estar en Las Vegas para una serie de conciertos en una universidad donde me insistieronque hiciera la presentación del violín en la música contemporánea, en particular las técnicas de aplicación y el repertorio italiano.

EtnoWorld - Musica Celta

2009-11-03T14:57:00.000-08:00

La música de Donegal
de Francesca Guccione; Traduccion de Diana C. Pinto

Hoy es un día especial celebrado en todo el mundo, pero pocos saben que esta tradición tiene sus raíces en un pasado remoto.
Este período, en realidad, marcado por las lluvias de otoño, fue una puerta de enlace entre el bajo mundo y el mundo terrestre y el momento en el que el pasado, investido de todos sus recuerdos y creencias sobre este.
La sensibilidad de la gente de todas las culturas, vinculado a los ritmos de la naturaleza ha hablado de este día, especialmente las tribus de los celtas, profundamente ligado a las raíces de la Madre Tierra, que dejo a los festejos en esta fecha.
Es en memoria de este pueblo, que tanto ha marcado a medida que pasa el tiempo las tierras en que caminaba, que hoy vamos a hablar de Donegal y sus violines, dejando que las notas de un viejo violín, nos acompañe.
En este lugar, que aún conserva la lengua Gaelic, se conserva una larga tradición musical, que se caracteriza técnicamente que el resto de Irlanda, utiliza principalmente el violín.
Este último sigue siempre el sonido de la gaita y el violín por el de Donegal se diferencia del resto de la isla, de hecho, mientras que en el resto de Irlanda predominan gaita irlandesa, de los tubos en Donegal es el más frecuente Mor PIOB, muy cerca de la música de gaita escocesa y de la técnica, mientras que el resto de Irlanda dominada por el uso de la herencia, llena de adornos en el estilo de Donegal es más importante, con un golpe de la proa de una nota y el uso staccato.
En esta región hay una tradición de dúo de violín, mientras que el resto de la isla es un solo de violín y de instrumentos tales como la concertina y tin whistle entró en esta región sólo en las últimas décadas.
Estas diferencias son sin duda la importancia de la influencia de Escocia, que históricamente ha desempeñado un papel importante en la vida y las sociedades de esta región, que la influencia es también visible en el repertorio, con la introducción de los ritmos que pertenecen a la música tradicional escocesa:
El strathspeys, las Tierras Altas, la Barndances y mazurcas.
Después de esta breve mención sobre Irlanda, los dejo con las palabras de un libro que me interesa particularmente y describir la noche de Samhain. ... Happy Halloween!

"Algo en Merlin trató de traerlo de vuelta.
Incluso el bosque... recuerdo vago, tan lejos que no se casi nada.
Caras, sin embargo, cifras similares a los niños.
La confusión de una batalla, pero con la sensación de que los hijos de los bosques eran amigos.
Y, finalmente, de los más definidos. El recuerdo de un nombre. Una cara, en particular, por encima de todos en los recovecos de su memoria”.
(De El Merlín Paso de Jean - Louis Fetjaine).

Curiosidades - El violín en la pintura '900

2009-10-31T05:43:00.000-07:00

Un viaje fascinante a través de la pintura de los '900. El puesto que Aida Laterza dedica a ViolinistiNet es un hermoso viaje a través de pinturas famosas .El arte que se refuerza a sí mismo. El violín como una fuerza creativa de los más grandes artistas contemporáneos.

El violín en la pintura
Aida Laterza - Traduccion De D. Cabrera Pinto

El violín, sus fascinantes misterios y sus líneas sinuosas, han inspirado decenas de mentes creativas. Me refiero a los artistas que han elegido como herramienta de comunicación de una pintura, un arte de excelencia ¿Qué mejor artista para llevar a cabo este informe corto viaje, entre la pintura y el violín, que Marc Chagall?

Chagall vivió desde la infancia una verdadera pasión por la música como estrechamente relacionados con los ritos de la comunidad judía jasídica de Vitebsk, donde su familia pertenecía.
Era muy atraído por los cantos, bailes, música de kletzmerim, los músicos judíos y le gustaban sus fiestas y ceremonias religiosas. Escribe en su autobiografía: "Me convierto en un cantante, puedo ser cantante. Ir al Conservatorio" Así que el joven Chagall tomó lecciones de canto de un tutor de poca edad.
También cerca de su casa vivía un violinista...

"Durante el día fue un empleado en una tienda de hardware y en la noche aprendía el violín. Yo strummed algo. Fuera lo que fuese, o al menos sonaba, decía siempre, marcando el compás con su bota: ¡Maravilloso! Y pensé: Puedo ser un violinista, entrar en el Conservatorio "

En su lugar se convirtió en un pintor "Pintar para mí era necesario como el pan. Parecía como una ventana donde me podía escapar, escapar a otro mundo... "

La imagen del violín y un fragmento de su experiencia, pero sobre todo, una figura clave de su lenguaje figurativo, su manera de pintar lírico y visionario, lleno de densos valores simbólicos.
En 1920 recibió el encargo de decorar la nueva sala del Teatro Judío de Moscú. Como alegoría de la música que eligió un violinista, muy similar a lo que han pintado tres años más tarde (Fiddler Green).El violinista en el tejado combina dos personajes en la historia de Chagall: músico, su tío y su abuelo, que de vez en cuando vio "Se subió al techo para comer zanahorias. La localización excéntrica hace un arquetipo real, el fundador, el emblema de todos los violinistas que aparecerá a partir de ahora en sus cuadros. La posición en el borde del techo sobre la solicitud evoca la precariedad económica y social del kletzmerim Muchos fueron obligados a llevar una vida miserable y difícil y llevar a cabo otras profesiones para sobrevivir. De mano de otros, esta misma inseguridad, esta vez como "en equilibrio" se puede extender a todo el pueblo judío. En Liberación (1952, Tríptico de la resistencia, la Resurrección, la liberación) La figura dominante que se eleva desde el centro de color rojo es el de la violinista, que se encarga de la tarea de expresar la alegría y la luz a través de la música de su instrumento... "suenan pasos como los sonidos", Escribió Chagall. La alegría del color que impregna la pintura parece ser liberado de sí mismo el violín, instrumento mágico que juega con los colores, un himno al amor y el arte.

Otro artista Fernando Botero. "Presidente Violín " es afirmativa, pero en un todavía la versión de vida de los "grandes". El artista colombiano se abre el violín hasta que se abulta, redondeado, irreal, para disfrutar del color. Incluso las sombras en sus cuadros está ausente como suelo no a la idea de color que tiene la silla. Violín, 2000.

"El violinista" 1998 se opone a simpatía humana Boteriana, rica en color. El tema, que casi se confunde con el fondo oscuro, es austero, sobrio.

Y sin embargo... ¿cómo no mencionar Braque, Jefe del cubismo. Las naturalezas muertas fueron el tema privilegiado de este arte y, más en general, han caracterizado el primer período del cubismo (cubismo analítico).

En Violín y jarra, 1910, muestra la absoluta libertad en el uso de la pintura de Braque. El violín como multifacético, mezclado con el fondo, una total falta de perspectiva, parece consistir en "pequeños cubos". Es fascinante observar que el resultado de esta investigación innovadora, inevitablemente, se abrirá el camino para el arte abstracto.

Me gustaría cerrar este pequeño viaje alrededor de un tema que merece mucho más proyectos, con un artista vienés con talento, expresionista dall'impronta Toni Sanftl y su Stardivari-L'Anima art.Se refleja en este cuadro, muy fuerte, casi violento en el tramo, un mundo y una pasión que sacar de la mente. El violín, casi derretido en el fondo, porque está penetrado por el viento. El artista parece querer poner de relieve de esta manera la inmaterialidad de la música. Sanftl le gusta traducir los sentimientos en una pintura poética difícil de alcanzar."Las pinturas son como las etapas de mi vida... Es un viaje imaginario en mi mundo interior, dibujar en mi aventuras, sueños, son mis estados de ánimo"... Dice Ilse.

Con esta imagen, la respiración profunda y apenas perceptible, al mismo tiempo, os dejo en remojo en tan gran maravilla.

EtnoWorld - Música en el sur de la India

2009-10-16T00:31:00.000-07:00

Continuamos nuestro viaje por la música india con Francesca Guccione hablamos de música carnática del sur de la India.

Mùsica Carnatica
de Francesca Guccioni
Traduccion de Diana Cabrera Pinto

"Nacida de una cultura ancestral rica que se llevó a cabo en los templos, el arte de la contemplación lleva su tiempo, lugar y estado anímico.

Cuando se logra esto, el artista es capaz de inducir en el oyente una experiencia trascendente. "

Estas palabras concluyen el comentario de una cinta de audio que me obsequiaron a mí hace un año una mujer que vivió en la India durante años, esta cinta es un tesoro de la música india, ya que conserva las notas de violín L. Subramaniam, Pilar e intérprete de la música Carnatica. Hablar de este documento, me pareció necesario por su integridad y simplicidad:

"La música carnática del sur de la India, es un arte micro-tonal y modal que se basa en un buen desarrollado de la base teórica, en la que tanto la melodía como el ritmo es fundamental.

Nacida de una tradición arraigada en una voz poética y mística de sus bases de motivos elegantes y adornos de complejidad rítmica de las notas. Música carnática se basa en "la improvisación es un reto constante tanto en el intelecto y la agilidad de un músico pidiendo al mismo tiempo la concentración y profundidad de la composición espontánea.

Más formas complejas se llaman Raga, Tanami y Pávali.

El Raga se refiere a la Alap (introducción y elaboración de Raga), a través de la melodía de improvisación que comienza la exposición de cada modalidad.

Tanami, El músico intenta revelar los distintos elementos melódicos de la forma elegida para establecer su propia atmósfera.

Esta parte de la progresión sin acompañamiento rítmico.

En Tanami (continuación de la improvisación libre, melódica, pero sin el acompañamiento de percusión), un pulso rítmico es introducido al final de cada frase que termina en una cadencia.

Por último, Pávali es un tema de corto plazo (con palabras en el caso de una composición vocal), relacionadas en general por un esquema de la rima o el período de la Tala y el final de esta sección que el percusionista entra en el diálogo musical.

La pávali tiene tres características adicionales:

la Niraval la Trikalam y Swara Kalpana.

El Niraval requiere de la provisión de una parte de la bola en línea, con nuevas ideas musicales.

El solista improvisa nuevas melodías en torno a la bola que se han establecido en relación con la Tanami.

Trikalam en la línea de la pelota se realiza en tres días, manteniendo constante el tálamo y son:

La mitad del tiempo, el tiempo inicial y el doble de tiempo.

El Kalpana Swara es una improvisación basada en sol-sílabas FA en el tiempo o ir rápido, en el que cada frase se vuelve a 'inicio del tema del palio.

Esta improvisación melódica complicado, se concluye por un "improvisación rítmica impresionante del percusionista."

Espero que este breve documento, haya despertado interés en ti, luego hablaremos de L. Master en el siguiente artículo Subramaniam, su vida y su música. Concluimos este viaje, en la tierra del incienso, y la danza de Shiva.

2009-10-13T14:48:00.000-07:00

Escucharemos esta entrevista realizada por este sitio "Da Capo a Fine" a la violinista Isabel Bison.

Haz clic Aquí para escuchar esta entrevista con Isabel Bison.

¿Cuál es el violín barroco? Cuando nació? Porque se distingue del moderno? ¿Por qué un violinista elige uno en lugar del otro? ¿Cuáles son las diferencias entre el Barroco y el moderno? Pedimos a la violinista Isabel Bison, anfitriona de cabecera de “Da Capo al Fine”, trad:“Del comienzo hasta el fin” en una conversación telefónica agradable, de fondo una interpretación moderna de la Sonata op. 2 No 8 en Re menor de Antonio Vivaldi (un intérprete de francés) y dos hermosas interpretaciones de los bisontes: Armonía Caprichosa de Thomas Motta y el Concierto op. IV, No. 3, primer movimiento, G. F. Handel.

2009-10-09T23:34:00.000-07:00

El violín y la 'casa musical

En la red encontré un fragmento de un video de Yanni (pianista, compositor, pianista griego) "Mejor Solista de violín", con Armenio violinista Samvel Yervinyan.

"The best 2 Violin Solo " Live in Acropolis.

Jazz Violín - Joe Venuti

2009-10-09T23:29:00.000-07:00

El primero post que Francisco Del Prete (violinista excelente y apreciado en el Jazz, así como desde hace mucho tiempo amigo). Nos acompañara a lo largo de este viaje en el mundo del Jazz. Estoy muy contento de que este con nosotros. Damos la bienvenida al gran Joe Venuti.

Joe Venuti
de Francisco Del Prete - Traduccion: Diana Cabrera Pinto

El violín sonido de la guitarra con el famoso grupo de los Cuatro Azul, en primer lugar tratar de convencer de una cámara de jazz continuación algunos años más tarde en Francia, pero se desarrolló de diversas maneras, por Stéphane Grappelli y Django Reinhardt.Joe y Eddy, casi inseparables compañeros, tanto multi-instrumentistas - La leyenda cuenta que juegas con el lanzamiento de una moneda en la elección de los dos instrumentos! - Técnicamente ferratissimi, deberá desarrollar una lengua de origen y específicas de sus instrumentos, aparte de los modelos disponibles entonces: el músico y guitarrista país blues.I dos italianos-americanos serán capaces de hacer el jazz excelente, pero también muchos otros música, incluyendo la clásica, a partir de las hipótesis y los preparativos técnicos diferentes de los que entonces se consideraba canónico para un jazzman. Su experiencia es por tanto, no atribuible a ningún tipo de estilo y tendencia. Un hecho que, antes de impedir y luego acompañar el reconocimiento de público y crítica. En los treinta años, al menos en Europa, sus nombres ya eran parte del grupo de los blancos más famosos músicos de jazz. Entonces, los críticos, principalmente franceses, con su ostracismo, y la era del swing, con su popularidad, provocó las primeras reflexiones sobre el valor real del dúo. En esta interpretación hay que añadir durante los conciertos de una articulación en cuestión, con un toque de humor que iluminó apoyó la participación del oyente-espectador. Lang y Venuti estaban en el aire, pero, como el violinista aclarar varios años más tarde, la intención, de reír a menudo el público, no en una falta de respeto o un insulto, pero con el evidente deseo de no tener, primero, demasiado en serio. Tendremos que esperar varios años y el éxito del quinteto del Hot Club de Francia y los partidarios de diferentes Venuti Warlop, Asmussen, para llamar la atención a la derecha en el trabajo en el estudio de 1926 a 1933 por los pioneros de origen italiano. Capiscuola verdad porque es: la cohesión del conjunto es perfecta, timbre de refinado, la delicadeza melódica y el lirismo profundo y sutil giro a la vanguardia en Venuti, Lang añade un acompañamiento en el ritmo y el contrapunto tan rico que A veces uno tiene la impresión de estar escuchando a una sección rítmica completa. Gran éxito en el hecho de recoger los cuatro azules, el sonido es muy especial creado por la combinación con la baja saxo y el piano. Lang será tristemente perdido marzo 26, 1933 debido a complicaciones después de una intervención de una amigdalectomía banal y nuestro violinista se recuperen pronto de la conmoción de la pérdida. Aunque confíe en esos guitarristas buena Dick McDonough y Frank Víctor es incapaz de encontrar ese sonido mágico que ha creado con su compañero. Poco a poco en el olvido. Debemos tener en cuenta los esfuerzos del promotor Dick Gibson, que, habiendo descubierto en los años sesenta en torno a los locales de Seattle, le presentó a los partidos de jazz que asistieron muchos prominentes músicos de jazz, que estaban gratamente sorprendidos al descubrir no sólo que el viejo Joe todavía estaba vivo, pero también que "estaba jugando mejor que nunca. Aunque olvidados por el mundo del jazz, y figura totalmente desconocidos para el público en general, que llegó, no obstante mantener los estándares más altos para sí mismo musicalmente y no permitir que su juego ha deteriorado un poco ". [trad. "Estaba jugando mejor que antes. A pesar de haber sido olvidados por el mundo del jazz, y aunque era totalmente desconocida para el público en general que han venido musicalmente había mantenido altos estándares de calidad y no había permitido la manera en que está jugando mal "]. Estas fueron sus segundos diez años de gran éxito - los primeros diez fueron aprobadas, junto con Eddie Lang entre 1923 y 1933 - que lo llevó en salas de concierto de todo el mundo para deleite de los fanáticos de la música del siglo pasado. Joe jugó hasta unas semanas antes de morir de cáncer el 14 de agosto de 1978 y, como ha señalado el jazz mandolina Jethro Burns ", que va a pasar muchos años antes de personas se dan cuenta cuán grande era realmente." [trad. "Llevará muchos años antes de personas se dan cuenta lo que ha sido grande"]. Se trata de un error imperdonable que algunos estudiosos apresurada de jazz - como Gunther Schuller en su libro Early Jazz, 1979 - no tiene la menor degnino citar ni él ni su guitarrista formidable! Todos los violinistas de jazz siguientes Venuti se vera afectado de Italia-america pero con su estilo muy personal.

EtnoMusic - Música de Hindustana (Norte de India)

2009-10-03T17:46:00.000-07:00

me gustaría aprovechar esta oportunidad para presentarles mi gran asistente Francesca Guccione. Volvemos al tema de la maravillosa música India, de hecho estamos empezando a observarla más de cerca!

La música de la India del Norte # 2

Francesca Guccione

Traducciones - Diana Cabrera Pinto

El lugar donde se refleja la espiritualidad en la música es la India. Aquí el límite entre el arte y la religiosidad es tan delgado, cada una de las reglas y cada instrumento musical se convierte en un puente entre lo real y lo divino y esta realidad no podría incluir

sonido esponjoso y etéreo del violín.

En este momento, debemos recordar la Subdivisión de la música India de cuatrocientos años que nos podemos resumir en dos grandes ramas: música Hindustana en el norte de la India, que conserva la histórico influyen de vicisitudes, el árabe; música Carnatica en la India meridional, mantiene las raíces de música India más antiguas y donde el violín, introducido en la India a comienzos del siglo XVIII. que se utiliza más de la primera.

Una clave para comprender el lenguaje musical indio es el Raga.

Este término describe las estructuras musicales sometidas durante la ejecución, claro las reglas se basan en una serie de escalas musicales que se desarrollan gradualmente.

Notas pueden variar durante el ascendente y descendente de movimiento, las escaleras de base de música de Hindustana son diez, mientras el Carnatica 72, de la lo que realmente utilizable 32. El ejecutante improvisa libremente en el momento una interminable serie de combinaciones de rítmicas y melódicos, siguiendo las normas específicas de Raga, dividido en dos tipos: Basico (malakarta raga), que tiene una estructura rígida y derivada (janya raga), que es el elemento que evoluciona la melodía. El desarrollo de un Raga, a continuación, sigue un modal, capaz de crear escala: asociaciones emocionales como la alegría, la tristeza y la serenidad; una jerarquía de grados a raíz de una nota crítica, la tónica decoraciones específicos; finalmente melódica característica forma reconocible inmediatamente de oyentes.

En su totalidad sigue siempre mismo procedimiento antes de Alap (improvisación en tiempo libre), el ejercicio (ritmo-improvisación), por último una melodía compuesta de ejecución de un ciclo (GAT en el norte y sur Kriti) rítmico.

Después de este breve paréntesis, la próxima vez soffermeremo Carmatica música, otras estructuras musicales y profesores de violín que hizo famosa la música India en el oeste.

Aquí los dejo con una frase hermosa:

"La música es la voz de toda la humanidad"

Cualquier momento y lugar. " Somos uno".

EDUCACIÓN - Havas Kato

2009-09-30T12:19:00.001-07:00

Katò Havas
di Claudio Merico

Hoy hablaremos de Katò Havas, violinista húngara (ex niña prodigio). Maestra de renombre internacional que escribió una serie de libros realmente interesantes, en particular: "Miedo del público" y "El nuevo enfoque el violín". Un punto de vista totalmente original (basándose en conceptos ampliamente probados en varias técnicas como la escuela de violín rusa). En este Katò tiene una enorme capacidad de síntesis y simplificación de los conceptos violinísticos, buscando que se centre únicamente en "música". Un enfoque casi Zen que de Katò, que pretende juego (malo) popular tendencias en los violinistas a usted que "toda la música fluye libremente". Al ver algunos video disponible en youtube (enumerada a continuación) conocido como algunos ejercicios de postura que Katò ha enseñado a sus estudiantes (en particular de los brazos suspendidos) son completamente ritrovabili en el chino "Tai-Chi-Chuan" (la base de la kung-fu) para la disciplina de excelencia, la relajación y la armonía del cuerpo. Es la opinión de Yehudi Menuhin en libros de Katò...

"Querida Kató Havas, me gustaría escribirlas una segunda carta de admiración para felicitarla por su libro "Miedo Escénico" Es el más realista enfoque y practico que podemos imaginar... destaca las verdaderas razones y no las falsas... un libro que es oro tanto lo que pesa para cada estudiante y muchos de los artistas intérpretes o ejecutantes".

"Esto es un triste comentario sobre la ignorancia humana que cosas raras y originales son generalmente las evidentes". Kató Havas es original en su enfoque de tocar el violín desde entonces se insiste en el hecho de que la técnica violinística deberían reducirse a los movimientos básicos que afectan a algo más que la punta de los dedos... También es igualmente “original” un alma gemela dice que el cuerpo debería participar de esta manera al no proporcionar ninguna resistencia desde cualquier parte del punto sólo admiten, y que es consciente de que entre todas las cosas, constante de equilibrio de Estado, el equilibrio de todas las partes, en comparación con los brazos del dedo pulgar de su escapula, etc., es el objetivo del estudio...."

Yehudi Menuhin

Entrevista a Monica Cuneo, un estudiante de Kato Havas

Hola Monica en primer lugar gracias por su disponibilidad. ¿Cómo tal te pareció la historia de Kató Havas?

Había conocido de Kató Havas y su libro (Miedo Escénico) desde 1985 cuando buscaba cursos de música en Inglaterra, pero voy a contarlo a continuación. La primera vez que la vi en persona fue en 1995, cuando mi amigo el pianista, Paola Piasentin, organizó el primer taller de Kato en Milán (Italia). Yo fui eventualmente y al final del día, Kato respondía a diversas preguntas, tomando el violín y tocó sólo un LA con el primer dedo en la cuerda SOL. Esta sola nota que tocó de manera excepcional porque había un sonidos tan suave, rico, pleno, hermoso y quede impresionada de cómo lo hizo. No fue aparentemente distinto a los demás, el vibrato no era diferente, sin embargo sin embargo el sonido era cautivador. Años después de la misma mi amigo iglesias quizo traducir el libro Miedo escénico salir y lo saco en un seminario con Kato. Por ello, en 1997 Kato celebró un seminario en Milán y había publicado el temor del público. Desde entonces, nos hemos mantenido en contacto, era interprete durante los seminarios y en 2003 me trasladaron a Oxford para estudiar minuciosamente.

¿Qué le afecta a usted durante una ejecución en público?

Lo que pueda afectar de forma muy variada, depende de la persona, estamos hablando acerca de cuándo debe tocar "descubierta" por sí sola. Hay una tensión saludable que es del tipo que nos hace sentir electrizados, entusiasmados, ansiosos por hacer algo hermoso, que no hay ninguna razón ahora hacer. Esto tiene un impacto positivo sobre la interpretación musical y también implica a los oyentes, pero lamentablemente sucede rara vez. El tipo de tensión que se deriva del temor de tener que enfrentarse un peligro, perder el control: Esto puede arruinar completamente una carrera y traumatizar hasta el punto donde el músico ya no puede desempeñarse en público, o debe recurrir a varios tranquilizantes. Personalmente he experimentado que, en general, la gravedad de los nervios se deriva también de otras cosas de la vida que han contribuido a acabar la confianza en su capacidad para dominar las situaciones, por lo tanto, el músico también pierde la confianza en su capacidad para controlar su manera de tocar, porque el tocar bien es tan importante que sufre otras circunstancias que pueden afectarlo.

¿Katò para resolver los métodos de "El Miedo Escénico" hay un enfoque puramente cognitivo o psicológico?

Ni uno ni otro, el nuevo enfoque es muy práctico, los libros proporcionan ejercicios, orientación acerca de cómo estudiar. Tensión física y la tensión emocional están estrechamente vinculados y en el libro El miedo escénico claramente se que ocupan de aspectos físicos, mentales y sociales del miedo del público, en este orden.

Aquí es un breve resumen: tensión física (apriete el arco, presione el mentón en la mentonera, el arco en las cuerdas, dedos en el diapasón) muchos ejercicios técnicos (doble cuerdas, pasajes rápidos, arcos largos) pero cuando vas al escenario ya es muy difícil tocar a causa del dolor e incluso graves lesiones físicas

Esto genera inseguridad con respecto a su capacidad para superar esos pasos, la tensión mental (miedo al fracaso)

Para completar la imagen, lo que la sociedad piensa de nosotros (la familia, profesores, los compañeros, la escuela, etc.) esperan de nosotros lo (bueno, perfecto, sin errores….) hace que se nos olvide el sentido, el propósito de hacer música que es lo que únicamente nos debe interesar, y existe el tan llamado Miedo a tocar en público.

Por lo tanto, parte de la eliminación de las tensiones, es aprender a tocar de forma que consiste en todo el cuerpo, con movimientos naturales, desde adentro y no de los dedos. Haciéndolo de esta manera, tendrá un mayor control de la ejecución, por consiguiente haga un plan que le de confianza en su capacidad para controlar los movimientos de cuerpo y el efecto que producen en la ejecución. A continuación, usted debe recuperar, y cultivar, el deseo y capacidad para comunicar realmente algo con música, causar un efecto en el oyente, despertar una emoción, olvidarse de sí mismo y centrarse en la música. Luego, realmente tocar en público se convierte en un placer.

¿Se ha ocupado de transcribir en inglés de libros, realmente se puede resolver estos problemas simplemente leyendo un libro?

No se resuelve un problema, lo que sea, simplemente leyendo un libro. Un libro puede ofrecer explicaciones e indicar el camino, dar orientación práctica sobre qué hacer, pero, a continuación, debe haber la aplicación asidua de las indicaciones del músico, con la ayuda de un profesor que conoce que el problema se sabe que el estudiante puede tener éxito y ayuda a recuperar la confianza en sí mismos, en sus habilidades. Sin embargo, después de haber estudiado para muchos años no se produce todos en una semana, pero realmente vale la pena participar. Yo no soy nervioso al tocar en público tengo muchos años de experiencia en esto. Ahora he eliminado realmente este problema, he tocado en situaciones formales de todo tipo y me encanta.

¿Cree que cualquier persona puede resolver estos problemas o hay otras situaciones más difíciles?

Creo que cualquier cuestión es soluble, si desea aplicar con determinación. He visto en mí mismo, mis estudiantes y otros. Cuando se resuelva lo que parecía ser un gran problema y adquieren una habilidad que parecía perdida, la persona obtiene mucho más confianza en sí mismo. Esto es especialmente cierto para un músico que vuelve a adquirir control, su capacidad para comunicarse por medio de la música.

¿Brevemente... en lo que es "el nuevo enfoque para el violín"?

Incluye muy brevemente, cuerpo, mente, espíritu en la obra (véase aspectos del miedo del público), saber la diferencia entre causa y efecto en los movimientos, el coordinar, desde el interior hacia el exterior todo el cuerpo, en lugar de utilizar la presión y jugar con los dedos. Que vemos los dedos de la mano izquierda y derecha , por lo tanto, tienden a centrarse en ellos, pero estos son sólo el efecto, no la causa real de su movimiento.

El nuevo enfoque es que la coordinación y totalidad del control de lo que estamos haciendo.

¿Cuándo habrá un seminario de Kató en Italia?

Kato, hace muchos seminarios,aunque ama mucho a Italia. Estoy organizando unos seminarios para dar a conocer más el nuevo enfoque. Quién sabe, tal vez si hay un buen número de interesados podemos hacerlo prontamente.

Gracias por su disponibilidad y seguiremos actualizando sobre los nombramientos, sigan el blog!

Gracias a usted por el interés y la contribución saber el nuevo enfoque.

A continuación propongo vídeos disponibles en youtube...

Por desgracia los subtítulos en inglés no son